Editor - Dièse, 2020-2021
Publication d'Art Non linéaire
Dièse Digital - Léa Abaroa, 2021, Blazing Words
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Exposition inaugurale Programme Spécial du groupe de recherche La Méditerranée
26 juin au 30 juillet, Bubenberg, Paris
" Les filets de pêche sont jetés à la mer comme les espace-temps que nous lançons à la surface du réel. Ces surfaces sont des réseaux, des territoires immanents. Les mailles dessinent des losanges. Le losange est progressivement devenu la forme centrale de mon travail. En voulant rendre compte de mécanismes naturels, j’ai sculpté dans le bois, en céramique, découpé dans du tissu cette même forme démultipliée afin de la comprendre, de m’accorder à elle et d’en reproduire les rythmes purs et spontanés. L’assemblage des formes entre elles me permet de recomposer le réel, de sculpter des vagues, des peaux de poissons, des réseaux d’entrelacements.
Et il y a cette phrase de Joseph Beuys, « (…) je parle de la réalité des constellations de forces dans le sens le plus large. » Joseph Beuys (Volker Harlan, Was ist Kunst ?, 1986)."
juin 2020
Les amis français du Museum of Women in Arts
FR
Short Interview
Alizée Gazeau par Marianne Dollo - avril 2020
1/ Quelles sont vos influences ?
Il y a l’idée d’Agnes Martin selon laquelle « la vie d’un artiste est inspirée, autosuffisante et indépendante (…) Elle donne une impression de révolte mais, en réalité, c’est un mode de vie inspiré ».
J’ai été très marquée par les Écrits sur l’art de Rothko, ceux de Joseph Beuys, Par la présente je n’appartiens plus à l’art. Il y a des œuvres d’art qui me fascinent, comme La Tristesse du roi de Matisse.
Je viens de Bretagne, j’ai grandi accompagnée par des récits de navigation, de tempêtes, d’attente, par de longues promenades au bord de l’océan. Évidemment les vagues sont une métaphore du temps, de la répétition infinie, elles sont aussi très premier degré dans mon travail. Je crée pour rendre compte d’un rapport direct aux mécanismes naturels, c’est une manière de la comprendre, de l’accompagner, de s’accorder à son rythme.
2/ Vos obsessions ?
Je travaille à partir d’expériences concrètes du réel. Ces expériences prennent leurs points de départ dans l’exploration d’un lieu, l’étude d’un objet, le récit d’un voyage. J’archive beaucoup d’éléments dans des carnets (heures, lieux, notes, extraits de lectures). À partir de cela je mets en place un langage, une reconstitution à partir de fragments. J’aime constituer des archives, réunir les éléments entre eux, trouver un ordre et mettre en place des solutions concrètes pour rendre compte de la temporalité d’un espace.
Ce qui me plait c’est d’entretenir un dialogue entre une pratique d’atelier et la réalisation de dispositifs in situ. Ce dialogue me permet de mesurer les cadences du réel. J’aime que les œuvres soient parfois les archives d’événements et d’autre fois leur annonce.
Il y a bien une idée qui m’obsède, celle que les objets que nous faisons sont comme des bouteilles à la mer. Par elles, nous accédons à d’autres espaces-temps, des lointains qui se rapprochent, naviguant entre ciel et terre.
3/ Parlez-nous de l'une de vos réalisations ou expositions dont vous êtes le/la plus satisfait(e) et/ou qui vous a rendu(e) heureux(se)
L’exposition de janvier 2020 que j’ai organisée à la Cité Internationale des Arts pour le lancement de la deuxième édition de la Publication d’art non linéaire (PAN). Les éditions nous rassemblent, artistes, danseurs, théoriciens, écrivains, architectes, scientifiques. Nous créons une œuvre collective et organisons des rencontres, des performances, des expositions.
Nous devenons progressivement un collectif constitué par une pensée artistique multiple, réunie.
La deuxième édition a rassemblé plusieurs champs de recherche autour de l’idée de « reconnaissance ».
Extrait de l’éditorial de PAN II écrit par Alizée Gazeau : « (…) Il faut connaître cette terre où nous vivons, commencer en acceptant « l’absolue non-réponse, c’est à dire l’infini »[1], c’est à dire « l’infini sans chemin »[2].
Nous reconnaitre les uns face aux autres c’est définir de nouveaux termes pour créer un langage qui nous réunira autour de problématiques actuelles, de réflexions et d’œuvres collectives. Déjà en 1978, Nelson Goodman écrivait qu’il ne suffit pas de « prélever de l’eau en des endroits dispersés, il faut plutôt coordonner les échantillons »[3].
4/ Emmenez-nous quelque part
Une ile est une hétérotopie a écrit un ami au moment de l’exposition « Heureux qui comme Ulysse ». Je découvrais la Grèce l’année suivante, Ikaria, une île dans la mer Égée. Ce voyage a modifié ma perception du monde. Notre terre est une île immanente encadrée par la mer. J’ai depuis lors, tenté de trouver des solutions pour rendre compte de cette fragmentation du réel. Je viens de terminer la réalisation d’une sculpture, Archipelago I, constituée de pièces en losanges de bois sculpté, de verre, de grès porcelainique. Elle évoque l’insularité d’un territoire composé de fragments. Elle est, aux côtés d’autres œuvres, le résultat d’un travail de plusieurs mois, centré sur un extrait de John Donne, No man is an island entire of itself.
[1] Simon Hantai, « Je veux l’absolue non-réponse, c’est-à-dire l’infini »
[2] Pablo Neruda, Né pour naitre
[3] Nelson Goodman, Manières de faire des mondes
EN
Short Interview
Alizée Gazeau by Marianne Dollo - April 2020
1/ What are your influences?
Agnes Martin's idea that "The life of an artist is inspired, self-sufficient and independent[…] It appears to rebel but in reality it is an inspired way of life.".
Two artist writings had a great impact on me: Rothko's Writings on Art, and the selection of Joseph Beuys's writings and interviews titled "Par la présente je n'appartiens plus à l'art"(I hereby no longer belong to art ).
Certain artworks fascinate me, such as La Tristesse du roi by Matisse.
Coming from Brittany, I grew up with tales of the sea, of sailors and storms, of long waits and walks by the ocean. In my work, waves are a metaphor of time and infinite repetition, but they are also very literal. I create to account for and materialize my direct relationship with natural mechanisms. It is a way of understanding, accompanying and tuning to nature's rhythms.
2/ Your obsessions?
I work from concrete experiences of reality. These experiences usually start with the exploration of a place, the study of an object, the narrative of a journey. I archive a lot of elements in my notebooks (times, places, notes, extracts from readings). From there, I reassemble scattered fragments and elaborate a language. I like to collect archives, to connect elements together, to find an order, and to set up tangible solutions to account for the temporality of a space.
I like to maintain a dialogue between the studio practice and the creation of in situ devices. It allows me to measure the paces of reality. I like that artworks can either foreshadow or archive events.
I am obsessed by the idea that the objects we make are like messages in a bottle. With them, we access other spaces-time, distant ones that get closer as our messages sail between sky and land.
3/ Tell us about one of the creations or exhibitions you are most satisfied with and/or that has made you happy.
The January 2020 exhibition I organized at the Cité Internationale des Arts for the second edition of the Non-Linear Art Publication (PAN). Each edition brings us together, as artists, dancers, theorists, writers, architects, scientists. We create collective artworks, organize encounters, performances, and exhibitions. We are growing into a collective constituted by these multiple artistic thoughts. This second edition brought together several research fields around the concept of "recognition".
Extract from the PAN II editorial by Alizée Gazeau: " […] We must reconnoiter this land we live on, starting by accepting "the absolute non- response"[1], that is to say, "the infinite without a path"[2]. Recognizing each other's perspectives defines new terms towards creating a language that will bring us together around current issues, reflections and collective artworks. In 1978, Nelson Goodman already wrote that taking "water from scattered places" isn't enough, "rather, we must coordinate the samples".[3] "
4/ Take us somewhere
For my exhibition "Heureux qui comme Ulysse", a friend wrote "an island is a heterotopia". I discovered Greece a year later in Ikaria, an island in the Aegean Sea. This trip changed my perception of the world. I now have this recurrent image that our land is an immanent island framed by the sea. Since then, I have been trying to find solutions to reflect the fragmentation of reality. My latest sculpture, Archipelago I, is composed of lozenge-shaped pieces of carved wood, glass and porcelain stoneware. It evokes the insularity of a territory composed of fragments. It is part of several months of work around an extract of John Donne's text, No man is an island entire of itself.
[1] Simon Hantai, « Je veux l’absolue non-réponse, c’est-à-dire l’infini »
[2] Pablo Neruda, Né pour naitre
[3] Nelson Goodman, Manières de faire des mondes
Raum www provides a glimpse into works that can´t be shown in real life, forming a growing collection of "what-could-have-happened" or "sadly-postponed" shows.
No man is an island entire of itself, solo show at Galerie Florian Schönfelder, March 20 to April 25 2020, Berlin, Germany
Cancelled due the closing of the gallery as a result of covid-19
Hartung 70's Lithographies
Galerie Hus, Fondation Hartung Bergman, Paris, France, 5 décembre 2019 - 11 janvier 2020
http://www.daily-lazy.com/2019/but-are-we-only-dreamed-ones-at-daily
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But are we the only dreamed ones?
The reason of the exhibition, "But are we the only dreamed ones?" is the exchange of correspondence between Ingeborg Bachmann and Paul Celan, two of the most important figures of poetry and literature of the 20th century. Their dramatic and impassioned relationship was formed by the reciprocity of their letters, which for nearly 20 years relieved their existential quest while at the same time shaping their poetic works. A remarkable feature of this union is the creation of a peculiar linguistic grid, based on love and arguing, forming dense poetry with secret echoes.
Somewhere here lies the issue of this exhibition, the invention of a personal "language", romantic and yet erotic, to the artist himself, an alphabet that only empathy and trauma can pronounce. Observing the dipoles developing between the artist and the artistic formation, this relationship is undoubtedly a romance and is wrapped up with the invention of this personal idiom. Not infrequently, fragments of this language are scattered throughout their works. Small gestures, a different observation of their artwork, ultimately betray the character that this exhibition wants to enlight: the artistic act consists of erotic words.
The viewer is invited to discover the subcutaneous romanticism of the three young artists participating in the exhibition. Eleni Tsamadia, Alizée Gazeau and Konstantinos Giotis, through different prisms, confirm the existence of the lost language of the lovers. Love is not limited to the Other, as artists use romantic gestures to approach existence, contestation, the journey of the artist, the artistic creation itself. Harvesting the subconscious, observing the points that are not visible, are driven by the shadows collecting fragments - losses and dreams - where they eventually generate their own alphabet: a language of the dreamed ones.
"Life is not going to accommodate us, Ingeborg; waiting for that would surely be the most unfitting way for us to be. Be - yes, we can and are allowed to do so. To be - be there for another. Even if it is only a few words, alla breve, one letter once a month: the heart will know how to live."
Celan to Bachmann, 31 Oct. 1957
DAILY LAZY PROJECTS - ATHENS
ARTISTS_ Eleni Tsamadia, Alizée Gazeau, Konstantinos Giotis
CURATOR_ Faidra Vasileiadou
DURATION_ 11/09/2019 – 21/09/2019
OPENING_ 10/09 at 20:00
"When I arrived at Joya: AIR I had with me one book, Pablo Neruda's memories. "Luminous Solitude" . The is an old lavanderia was scored with lines and formed a space-time grid.
Una flor que crece
Flowers, compressed between the paper and this stone, appear on the surface of the drawing. Placed between the space of the pper and that of the stone, the flowers mark a continual temporality. The history of the site mixes with the present realisation of the drawing and the imminent future that the plants represent.
A luminous solitude floods this residency in the heart of the Sierra Maria - Los Velez. I wanted to testify to the luminous sensation that I lost myself in in this dramatic landscape. Long solitary walks along the rocky, arid trails allowed me to find silent answers.
All time limits seemed to be abolished during those weeks.
I wanted to make a second series of drawings that would evoke this idea of radical, absolute and permanent present. I used a mixture of acrylic and clay. By their furtive passage on the surface of the paper, the plants marked their light imprint in reverse.
"Time is the moving image of eternity" and when time is suspended by this radical present where past and future migle and merge, we experience the flight of time in which we pass. Joya: AIR makes such and absolute present possible; this retreat in the heart of nature invites a radiant dialectic between the passage and suspension of time. "
Aurora, 2018, limited drawings, Ô Fortes !, with Pauline Drand, VIsions Particulières
Limited edition drawings still available :
Olea Europaea, Residency Fondation Hartung Bergman, September 2018, Antibes, France
Robin Buchholz, Bubenberg, Paris, Collective Exhibition "Confinium, Perspectives on landscape and history" with Léonard Martin and Sophie Kitching, Bubenberg, June 2018, Paris, France
Confinium is the latin expression ancient and medieval European scholars used for horizon. It refers to a surrounding finity, which we challenge as being both a temporal and spatial condition for the experience of nature as landscape and of landscape as being the theatre of history.
In Renaissance history paintings, landscapes often surround historical events, acting as an immuable host to the changing human thought, destiny and politics. The dichotomy the idea of landscape introduces furthermore reflects the dichotomy between the self and the object, thus dissociating human nature from an environment that has yet increasingly entered the anthropocene. In his essay Philosophie der Landschaft (1975), Georg Simmel writes that ”the sensitivity for the particular phenomenon of “landscape” emerged only at a late stage of Western history precisely because it presupposes the loss of the unitary feeling for the whole of nature. It is only the process of individuation of inner and outer forms of existence, the dissolution of the original bonds and ties into differenciated spheres—this great formula of the post-medieval world—that first lets us see landscape in nature. No wonder antiquity and the Middle Ages had no feeling for landscape; the object itself had not even come into existence in the mental distinctiveness of perception and in the developed independence of its form.”
The exhibition aims to offer three diverse yet affiliate approaches to the disentanglement of landscape and history. Léonard Martin reenacts and animates canonical scenes from the history of art in outlandish abstract landscapes, which offer no index of an immuable nature, questioning the temporal structure of painting and the organicity of landscapes. Sophie Kitching intervenes on documents recounting the experiences of bygone landscapes, thus emphasizing their function as imaginative and narrative projections of the individual and collective history. Alizée Gazeau‘s landscapes evaporate in their temporal superpositions, revealing the intrinsic agency in their aperception.
Artemis Studio Residency, Ikaria, May 20218, Greece
Livia Parmantier, Art historian, Collective Exhibition "Morceaux Choisis", Bubenberg, December 2017, Paris, France
Après une première exposition, Alizée Gazeau réfléchissait à un moyen de sortir du cadre sans se séparer de la peinture. L’idée d’un support qui permettrait une nouvelle liberté s’est alors imposé, celle d’une structure fixe sur laquelle pourraient se développer formes et couleurs et se construire un récit.
Ronde I en présente la première étape. L’idée condensée dans une maquette préparatoire permet de nous y projeter laissant libre cours à des constructions imaginaires.
Trois portes placées en triangle situent l’ensemble dans une temporalité. L’agencement mobile de dessins, peintures et carnets donne forme à une narration que chaque spectateur peut développer individuellement le long de son parcours. Il s’agit d’une part d’affirmer la temporalité de la réalisation de l’œuvre et d’autre part, de l’inscrire dans le rythme d’un ensemble, comme la partie d’un tout. L’installation offre une première lecture. Elle donne accès au présent progressif d’une œuvre en construction.
Une fenêtre ouverte sur la mer, un horizon au loin qui se dessine au moment où une île émerge des flots. Ulysse. Dix ans d’errance pour atteindre sa partie. Dix ans de pleurs, d’espoir et d’aventures.
Alizée Gazeau retrace le périple d’Ulysse, dont l’odyssée ne peut se lire sans l’omniprésence de la mer. Espace poétique, Ulysse la traverse pour se rendre vers un au-delà. Bouleversé, malmené, mais aussi transporté par les courants, l’état mental de l’Inventif se transpose au gré des états de l’eau. Oscillant entre les flots tourbillonnants, tels des champs de batailles, et le calme saisissant et serein des eaux marines, Ulysse est paradoxalement hanté et impatient par l’idée du retour.
L’artiste interprète la polyphonie de la mer par l’intermédiaire de formes et de couleurs qui se répètent inlassablement d’un tableau à l’autre. On y retrouve ainsi l’île, le vaisseau, l’oubli, la patrie… comme on rencontre certains vers homériques d’un chant à l’autre, notamment le déchirant « Nous reprîmes alors la mer avec tristesse » qui rythme sans relâche le récit. Alizée Gazeau capture ces éléments de l’épopée, les assemble et les éclate. Ils semblent alors suspendus sur la toile. Pourtant fixés à leur support, ils sont attirés par l’espace de la fenêtre qui s’ouvre sur une potentielle recomposition, un destin qui ne serait pas figé. Ensorcelé par son désir de retour, captivé par un horizon encore incertain, Ulysse tente, malgré les aléas des dieux, d’être maître du sort de la fin de sa vie.
Maîtriser les éléments tout en leur donnant une grande liberté, voilà ce qui pourrait être le fil conducteur de cette série. Etape par étape, île après île, Ulysse reconquiert son royaume. Etape par étape, forme après forme, l’artiste révèle ce qui, pour elle, relève du processus créatif. Les draps tâchés de peinture et de térébenthine apposés sur la toile sont une manière pour l’artiste de sanctifier ce parcours initiatique. Elle ne se cache pas de ce qui relève de l’intime du peintre, comme le héros odysséen ne se cache pas de ses pleurs.
Les formes associées aux éléments du récit, des larmes à l’oiseau, revêtissent progressivement une fonction musicale, si l’on entend l’Odyssée comme un chant homérique conté oralement, des aèdes antiques à Monteverdi. Les lignes d’horizon se transforment peu à peu en partition, alors que chaque élément pictural s’apparente aux notes d’une portée qui ne demande qu’à être activée par un ou plusieurs musiciens. Et s’il s’agit d’interpréter graphiquement le chant d’Homère, il est aussi profondément question, comme l’entend Gilles Deleuze, de « capter des forces », de poser un accord, chercher un équilibre pictural, musical, chromatique et poétique…
Pablo Saavedra de Decker's performance, " Heureux qui comme Ulysse", Bubenberg
October 2017, Paris, France
EN
"Happy who, like Ulysses, has explored and returned…"
A window looking out to sea, a far-off horizon that becomes apparent as an island emerges from the waves… The tale of Ulysses. Ten years of wandering to reach his homeland. Ten years of tears, hope and adventures.
Alizée Gazeau retraces Ulysses' long voyage, an odyssey in which the sea is an omnipresent theme, a poetic leitmotif that transports Ulysses towards a world beyond. Troubled, sorely tested, but also transported by the currents, the mental state of the "man of many devices" is transposed by the varying states of the sea. Oscillating between swirling waves, reminiscent of highly-charged battlefields, and the captivating calm and serenity of still waters, Ulysses is paradoxically haunted by, yet impatient at, the idea of returning home.
The artist interprets the polyphony of the sea by means of shapes and colours that constantly reappear in each of her works. We thus find the island, the vessel, the oblivion-inducing lotus plant, the homeland… just as we find recurring lines of verse in Homer's tale, in particular the harrowing "We set sail again with heavy hearts" that constantly punctuates the narrative. Alizée Gazeau captures these elements of the epic poem, brings them together and then scatters them anew, seemingly loosely suspended on the canvas, but in reality firmly fixed to their medium, attracted by the space beyond the window, a potentially new composition, a destiny that will never ever be set in stone. Possessed by his desire to return home, mesmerized by a still uncertain horizon, Ulysses attempts to seize control of the rest of his life, overcoming any vagaries that the gods may place in his way.
Controlled, but free composition of artistic components, such could be an apt description of the central thread of this series of works. Step by step, from one island to the next, Ulysses returns to recapture his kingdom. Step by step, from one shape to the next, the artist reveals what for her is the outcome of the creative process. Sheets stained with paint and turpentine affixed to the canvas provide a means for the artist to sanctify this initiatory voyage. She does not seek to conceal her innermost feelings as a painter, just as the hero of the Odyssey does not seek to conceal his tears.
Shapes associated with the different elements of the epic tale, from tears to birds, gradually assume a musical function, if we take the Odyssey as a Homeric song related by word of mouth, from the ancient Greek bards through to Monteverdi. Little by little, the lines of the horizon come to resemble a musical score, with each pictorial element becoming the notes upon a stave ready to be brought to life by one or more musicians. And if the intention is to create a graphic interpretation of Homer's epic poem, there is also a profound need, in the words of Gilles Deleuze, to "capture the forces", to lay down a chord, to seek a pictorial, musical, chromatic and poetic balance…
Joséphine Dupuy-Chavanat, Head of artistic projetcs, Emerige Foundation, " Heureux qui comme Ulysse", Bubenberg, October 2017, Paris, France
Victor Mazière, Art Critic and Theorist, Text written and presented as part of "Silence and Noise" installation, " Heureux qui comme Ulysse", Bubenberg, October 2017, Paris, France
Exhibition catalogue, "Heureux qui comme Ulysse", interview by Joséphine Bindé, October 2017
Jim Gabaret, writer and philosopher, "Heureux qui comme Ulysse", Bubenberg, October 2017, Paris, France